A Dança é uma arte,ou seja é um conjuto de regras para realizar algo com perfeição, no qual exige habilidade e compromisso ao dedicar-se todavia é uma forma de expressão artitisca coordenada que carece de sentimentos e ideias atravéz do movimento corporal na maior parte dos casos a dança com passos e compasso de música e envolve a expressão de sentimentos potenciados por ela.
É um conjuto de gestos corporais que visam o sentido da música e não só de forma que mesmo sem cantar ou falar.as pessoas consigam comprender o que se está expimindo.
Expressão corporal e facial
A expressão corporal e facial é a que faz a coreografia, o coreografo deve ser capaz de impressiomar aqueles que vê, fazer chorar,rir trazer emoçaõ ao local consoante ao estilo da música e tipo de coreografia cada palavra possui a sua expressão caracteristica,tanto facial como corporal, deve haver estilo se necessário agressividade no bom sentido,suavidade se necessário chorar se necessário rir,desfalecer etc.etc.
Regras basicas para Dança no júbilo
Alegria excessiva,contetamento expansivo,alegria expressa com sorrisos gritos e gestos.
Regras besicas para Dança na Celebração
cantar acompanda da de mais variadas formas de expressão,batendo palnas,gesticulando,pulando.
Regras Básicas
Decência/tanto no vestuário como na própria dança,na expressão.etc
coordenação de passos, gestos,expressão,indumentaria adquada ao estilo e ritimo da música,autentecidade,expressão corporal e facial,sensibilidade corporal e facial.
Dança moderna
A expressão dança moderna se refere às escolas e movimentos da história da dança referentes ao período da modernidade.
A dança moderna surgiu no início do século XX e seus pioneiros procuravam maneiras modernas e pessoais de expressar como se sentiam através da dança.
Dança Moderna começou na América no início do século XX, quando os antecessores dos artistas que hoje conhecemos, começaram sua própria rebelião contra a formalidade do balé e a previsibilidade das populares mostras de dança do período. As suas técnicas e estilos eram muito diferentes, o que eles tinham em comum era a insatisfação com as opções disponíveis para bailarinos e seu objetivo último era transmitir ao seu público um senso de realidade interior e exterior - um objetivo que ainda inspira bailarinos modernos hoje.
Na América do Norte, a dança moderna recebeu grande influência dos estudos do ator e pesquisador francês François Delsarte (1811-1871). Suas investigações podem ser condensadas em seus dois grandes princípios: A Lei da Correspondência e a Lei da Trindade. Uma aluna de Delsarte (Mme. Harvey) levou os ensinamentos do mestre até a Denishawn School, escola de dança fundada por Ruth Saint Dennis e Ted Shawn. Esse último iniciou sua carreira com o estudo do Delsartismo. A grande iniciadora da dança moderna americana foi Isadora Duncan, mas a primeira técnica estruturada foi a de Martha Graham, criada nos anos 20 e 30 do século XX. Este estilo procura dar mais ênfase aos sentimentos, aos sonhos, tentando teatralizá-los ao máximo através de movimentos corporais.
A Dança Moderna, emergida dos últimos anos do século XIX e afirmada nos primeiros do século XX, teve raízes e intenções bem distintas. Os bailarinos dançam descalços, trabalham contrações, torções, desencaixe etc, e seus movimentos são mais livres, embora ainda respeitem uma técnica fechada.
Depois de Martha Graham, vieram outros nomes que enriqueceram ainda mais o cenário da época: Doris Humphrey, Lester Horton, José Limon entre outros. Suas técnicas encontram-se em alguns pontos, mas divergem muito. E suas escolas continuam a existir muito fortemente nos Estados Unidos, um dos berços da Dança Moderna. Esta foi muito afastada pela Dança Contemporânea, mas voltou ao seu lugar depois de 3 anos.
Principais nomes da Dança Moderna nos EUA: Isadora Duncan, Martha Graham, Ruth Saint-Dennis, Ted Shawn, Charles Weidman, Doris Humphrey, Loïe Fulle.
Dança contemporânea
A Dança contemporânea ou Backup Dancing é o nome dado para uma determinada forma de dança de concerto do século XX.[1][2]
A dança contemporânea surgiu na década de 60 como uma forma de protesto ou rompimento com a cultura clássica. Depois de um período de intensas inovações e experimentações que muitas vezes beiravam a total desconstrução da arte finalmente - na década de 1980 - a dança contemporânea começou a se definir desenvolvendo uma linguagem própria.
Características
A dança contemporanea modificou drasticamente as "posições-base" do ballet clássico, além de tirar as sapatilhas das bailarinas e parar de controlar seu peso. Ela mantém, no entanto, a estrutura do ballet, fazendo uso de diagonais e da dança conjunta. A dança contemporânea busca uma ruptura total com o balé, chegando às vezes até mesmo a deixar de lado a estética: o que importa é a transmissão de sentimentos, idéias, conceitos. Solos de improvisação são bastante frequentes.
A composição de uma trilha para um espetáculo de dança contemporânea implica diversos outros fatores além da própria composição musical.
A dança contemporânea não possui uma técnica única estabelecida, todos os tipos de pessoas podem praticá-la.
Esse tipo de dança modificou o espaço, usando não só o palco como local de referência. Sua técnica é tão abrangente que não delimita os utensílios usados. O corpo, pesquisando suas diagonais, não delimita estilos de roupas, músicas, espaço ou movimento
Dicas de Ballet: Alongamento
Quando você conhece melhor o seu corpo você terá mais capacidade de se desenvolver, se referindo a força, resistência, flexibilidade e temperamento. Ultimamente muitas pessoas estão descobrindo que o exercício físico faz um bem danado pra gente.
Os alongamentos são um passo importante entre a vida sedentária e uma vida ativa. Ajudam no vigor e na flexibilidade dos músculos evitam certas lesões. Os alongamentos tem muita importância para aqueles que correm, andam de bicicletas ou que fazem qualquer exercício desgastante.
Os exercícios de alongamento são fáceis, mas forem feitos de forma incorreta podem fazer mal ao invés de fazer bem. Não se esqueça!
Não tem necessidade de forçar seus limites, faça até onde você consegue se alongar. Feitos sob medida, conforme a sua flexibilidade, estrutura muscular e de acordo com os níveis de tensão.
O mais importante é você relaxar, reduzindo a tensão muscular os movimentos ficam mais soltos, sem um esforço concentrado no objetivo da total flexibilidade que acaba tento superestiramentos e lesões.
O alongamento não provoca lesões, suas sensações leves e revigorantes permitem a sintonia com os músculos.
É preciso que pratique devagar, principalmente no início, pois não há como entrar em plena forma no primeiro dia.
Todas as pessoas podem fazer alongamento, sem idade ou flexibilidade. Não precisa possuir habilidades atléticas ou estar no ponto máximo da condição física.
O alongamento reduz as tensões musculares dando a sensação de músculos relaxados. Traz muitos benefícios para a coordenação.
Previne as distensões musculares, um músculo alongado resiste as tensões. Facilita as atividades mais desgastantes e desenvolve a consciência corporal, libera os movimentos bloqueados causados por tensões emocionais.
Começar o dia se espreguiçando já é um bom começo! Vamos lá?
Historia do Jazz
O jazz é uma manifestação artístico-musical originária dos Estados Unidos. Tal manifestação teria surgido por volta do início do século XX na região deNova Orleães e em suas proximidades, tendo na cultura popular e na criatividade das comunidades negras que ali viviam um de seus espaços de desenvolvimento mais importantes.
As origens da palavra Jazz são incertas. A palavra tem suas raízes na gíria norte-americana e várias derivações têm sugerido tal fato. O Jazz não foi aplicado como música até por volta de 1915. Earl Hines, nascido em 1903 e mais tarde se tornou celebrado músico de jazz, costumava dizer que estava "tocando o piano antes mesmo da palavra "jazz" ser inventada".
Desde o começo do seu desenvolvimento, no início do século XX, o Jazz produziu uma grande variedade de subgêneros, como o Dixieland da década de 1910, o Swing das Big bands das décadas 1930 e 1940, o Bebop de meados da década de 1940, o Jazz latino das décadas de 1950 e 1960, e o Fusiondas décadas de 1970 e 1980. Devido à sua divulgação mundial, o Jazz se adaptou a muitos estilos musicais locais, obtendo assim uma grande variedade melódica, harmônica e rítmica.
História do sapateado
Sem registros históricos que possam precisar datas e locais, sabe-se muito pouco a respeito das origens do sapateado: algumas das suas primeiras manifestações datam de meados do século V. Posteriormente, desenvolveu-se a partir do período da primeira Revolução Industrial. Os operários costumavam usar tamancos (clogs) para isolar a umidade que subia do solo e, nos períodos livres, reuniam-se nas ruas para exibir sua arte: quem fizesse o maior e mais variado número de sons com os pés, de forma mais original, seria o vencedor. Por volta de 1800, os sapatos foram adaptados especialmente para esta dança. O calçado era mais flexíveis, feito de couro, e moedas eram fixadas à sola, para que o som fosse mais limpo. Mais tarde, finas placas de metal (taps) passaram a ser fixadas no lugar das moedas, o que aumentou ainda mais a qualidade do som.
Nos Estados Unidos desenvolveu-se o chamado sapateado americano, introduzido no país por volta da primeira metade do século 19, na fusão que uniu ritmos e danças dos escravos, que já possuiam um estilo de dança próprio baseado nos sons corporais, com os estilos de sapateado praticados pelos imigrantes irlandeses e colonizadores ingleses.
A forma irlandesa do sapateado - também chamada de Irish Tap Dance - concentra-se nos pés, o tronco permanece rígido; já os americanos realizam sua Tap Dance esbanjando ritmos sincopados e movimentos com o corpo todo, abrindo a dança para o estilo próprio de cada executor. O sapateado americano acresecentou à forma irlandesa da dança toda a riqueza musical e de movimentos dos ritmos dançados pelos africanos e com isso criou uma modalidade de dança ímpar e que se espalharia, posteriormente, por todo o território dos EUA e, durante o século XX, diversos outros países.
A partir da década de 30 o sapateado ganhou força e popularidade com os grandes musicais, que contavam com a participação de nomes como Fred Astaire, Gene Kelly, Ginger Rogers, Vera-Ellen e Eleanor Powell. Depois de um período de declínio do final da década de 50 ao inicio dos anos 70, nomes como Gregory Hines e, em especial, Brenda Bufalino (diretora da American Tap Dance Foundation) revitalizaram o sapateado americano, impulsionando toda uma nova geração, de onde surgiram nomes como o do grande astro Savion Glover, recentemente coreógrafo dos pinguins do filme Happy Feet.
Profissionais de sapateado americano realizam periodicamente workshops e shows internacionais, levando a arte do sapateado para diversos países: além da Irlanda e Estados Unidos, países como França, Austrália, Alemanha, Espanha, Israel e Brasil possuem grupos, coreógrafos e estúdios de sapateado de expressão. O Brasil, em particular, recebe anualmente diversos profissionais americanos como forma de intercâmbio entre os grandes mestres da tap dance e os diversos núcleos de sapateado existentes por todo o território nacional.
